Animeu-vos que el concert serà prou entretingut. Estem preparant un repertori ben mogudet (i difícil). Vos esperem!.

Giant steps pertenece a la etapa bopper inicial (1959) de John Coltrane, uno de los Diez Músicos, con mayúsculas, a destacar en la historia del jazz. Junto a él, completan el cuarteto Tommy Flanagan al piano, Paul Chambers al contrabajo y Art Taylor a la batería (en Naima cambian dos músicos: Winton Kelly al piano y Jimmy Cobb a la batería, en lo que sería la semilla de su famoso cuarteto posterior).
Como digo, este disco es auténtico bop. Canciones de tempos rápidos, melodías difíciles, armonías algo complejas y, como no, solos frenéticos o ratoneros, como diría una conocida (especialmente con las conocidas “láminas de notas” de Coltrane). De hecho, muchas veces me he puesto este disco “a toda paleta” en el coche, cual macarra bakalatunning, flipando por un tubo.

La verdad es que destacaría los siete cortes del disco pero, por no ser pesado, me quedaré solo con estos:

1. Giant steps. Cuentan que, en el momento de grabación, Coltrane le pasó la partitura al pianista y éste, al verla tan compleja dijo: “Esto es una balada lenta, ¿no?”. Pero no, no lo era, ya veréis… Un tema rapidísimo, con infinitos cambios armónicos, en fin, de locos ponerse a improvisar ahí. Eso sí, con Coltrane y su solo desde el segundo 28′ al minuto 2’55”, flipas. Pongo un video que he encontrado con la canción y que es de lo más curioso, especialmente para músicos…

3. Countdown. Si la de antes es frenética esto ya es el infierno. Creo que se trata de la misma armonía que en Giant steps pero a un tempo todavía superior. Empieza la batería solamente, al poco se le une el saxo en un solo de vértigo. Un poco después entra el piano y, ya al final, para el tema, se une el bajo.

5. Syeeda’s song flute. Un tema “divertido” y pegadizo, con buenos solos, especialmente el de Flanagan al piano. Debo confesar que hay una frase de su solo que me gusta especialmente y que he “fusilado” en algún solo.

6. Naima. Una de las mejores baladas que he escuchado, que te acaba gustando más cuando ves lo bien enlazada que está su extraña armonía. Totalmente abierta, enigmática se podría decir. Fantástica. Parece que Coltrane se queda tan satisfecho con el tema que únicamente el pianista es el que hace un solo.

7. Mr. P.C. Esta canción está dedicada al bajista, Paul Chambers, una pieza fundamental para que funcione tan bien el cuarteto. Es un blues menor estándar, a buen tempo y con buenos solos, especialmente la parte final, con los cuatros entre saxo y batería, un buen ejercicio de cuenta mental. Ah!, y genial también la entrada a solos de Coltrane.

En el número 29 de la revista Jaç apareix com a tema principal una interesant entrevista al músic Agustí Fernàndez. Aquest pianista mallorquí, del qual havia sentit parlar en altres revistes, fa música “improvisada”, una clasificació musical que desconeixia amb eixe nom tan ampli, pero que en el fons és tan explícit que podria imaginar-me el que fa.

Dic que l’entrevista és molt interessant especialment per les reflexions que fa el músic al voltant de conceptes relacionats amb la improvisació, com poden ser la varietat, la repetició, la llibertat ( el “todo vale”), la creació, etc. Però, en especial em va agradar molt una resposta sobre els “prejudicis” del públic:

jaç: [...] sent com és una música tan abstracta, primer cal lluitar contra els prejudicis que pugui tenir el públic.
A.F.: Sí, però si assisteixes a un concert de música improvisada amb el cap obert, sense prejudicis, si et deixes endur per la música, pot se que no t’agradi, però també pot ser que t’interessi. Els prejudicis són tant personals com col·lectius, perquè hi ha unes músiques que dominen i són més accessibles perquè els codis estan més estesos. A mi m’agrada que, després d’un concert, vingui algú i em digui: “No he entès res, però m’ha encantat”. Perfecte! Aixó vol dir que potser no coneixes el codi o llenguatge, però que hi ha alguna cosa que t’ha arribat, potser el sentiment. La resta és una qüestió de costum.

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Em pareix una resposta fabulosa. És el que jo pretenc dir sempre a la gent que em diu que no entén el jazz. I què?. A tu t’agrada?. Pues magnífic!.
Hi han músiques el llenguatge de les quals és ben conegut, però si vols “entendre” el codi d’altres músiques, com el jazz, has de saber que serà un esforç i, o t’endinses en el seu vast món musical (harmonia, història, escales…) o, el més important, escoltes jazz sense parar!.

A bossa de Caetano es un recopilatorio de las “mejores” sambas y bossas tocadas y cantadas por Caetano Veloso. Pongo entre comillas lo de mejores porque eso, obviamente, depende de gustos, aunque la verdad es que en este disco todas las canciones son preciosas.
Por otro lado, sobre la diferencia entre samba y bossa la verdad es que no lo tengo claro. Yo simplemente diría que la samba es quizás más “movida y alegre”, con un tempo más alto, pero no sé si hay alguna otra diferencia más “musical”.

En fin, que el disco es un magnífico reflejo de lo que es la bossanova: melodías dulces y agradables, ritmos tranquilos y pegadizos, arreglos generalmente escasos (con guitarra y voz hay bastante) y canciones entonadas en una lengua que, por sí sola, ya canta: el portugués.

El disco tiene 14 pistas, la mayoría de ellas estándars conocidísimos, entre las que destaco:

2. Chega de Saudade. Una de las mejores bossanovas (o sambas) que existen. Una canción encantadora para escuchar pero bien difícil para tocar (por experiencia propia en Sejazz y con la Big Band de la UA). Caetano canta el tema una sola vez, de arriba abajo. Y sobra. Para qué más?.

3. Desde que o samba e samba. Hace bastantes años fuimos a ver a Caetano en Benidorm, él solo con su guitarra. Salimos con un par de canciones en la cabeza, y ésta es una de ellas. No sé por qué razón exactamente me encanta, pero la verdad es que me compré el disco por ella. En esta versión cantan a dúo Caetano Veloso y Gilberto Gil.

5. Get out of town. En general, las bossanovas cantadas en inglés no me gustan. Es más, me dan algo de rabia. El caso es que a ésta canción, quizás por ser original de Cole Porter, no le queda mal del todo. Puede que, incluso, cantada por un angloparlante nativo quedase mejor.

6. Quando eu penso na Bahia. Típica samba animada y divertida, de corta duración. Cuando acaba no puedes evitar la sonrisa.

9. Chora tua tristeza. Una cosa curiosa que tiene la samba es que, en general, aporta un aire alegre y optimista a cualquier canción. En este caso, interpretado en solitario por Caetano, se aprecia claramente.

10. Nega maluca / Billie Jean / Eleanor Rigby. Sí, en efecto: es una mezcla entre la bossa de Fernando Lobo, el clásico de Michael Jackson y la canción de los Beatles. En realidad, las tres canciones se suceden una tras otra, sin mezclarse, pero la unión está perfectamente enlazada.

11. Dindi / Eu sei que vou te amar. De la primera canción apenas suena casi nada, pero el clásico de Jobim y Vinícius queda mecido a la perfección por la voz y la guitarra de Caetano.

12. Samba é amor. Se titula samba pero, según la idea que yo tengo, diría que es una bossanova. Pero en fin, que eso tampoco importa mucho. Es una melodía preciosa, y la interpretación de Caetano te deja en un estado de agitada paz interior.

When least expected és un disc relativament eclèctic: un disc de post-bop amb tocs de latin i un poc de funky. En general són peces prou arranjades, algunes per a formacions relativament grans, i en les que destaca un estil que a mi em recorda a la música clàssica impresionista. Tal volta açó siga el que suggereix eixa extranyesa de què parlava abans, pero és que tant les cançons com els solos (especialment els de Flors) tenen eixe caire. O bé, tal volta l’extranyesa siga per eixos acords “no funcionales” o la “renuncia a la tonalidad” de la que parla en la seua web.

Al disc participen, a banda de Dani Flors a la guitarra, noms conegudíssims de, diguem-ne, l’escena jazzística valenciana i que, a més, conec personalment gràcies a la Big Band de la UA. Són: Ramón Cardo (saxo alt i soprano), Pierre Leon (clarinet), Santi Navalón (piano), Mario Rossy (baix), Juanjo Garcerá (batería), M. Ángel Bosch (trompeta), Jesús Santandreu (saxo tenor), Francisco Blanco “Latino” (saxo baríton) i alguns més.

El disc té 9 peces, de les quals destaque:

1. And so it goes. Un tema que, quan em vaig comprar el disc anys després de sentir-lo per primera vegada, encara recordava. El solo de guitarra és fabulós, recordant-me de vegades a Pat Metheny.

2. Duckaddiction. Una bonica intro de guitarra deixa pas a un tema amb motiu impresionista i ritme irregular. A continuació, la peça esdeveneix en quasi un estàndar hard bop d’estructura A-B, alternant el 4/4 i el 3/4. Com a curiositat diré que, quan vaig sentir el bon solo del saxo vaig pensar: “A mi este saxo em sona”. Vaig agarrar la caràtula del disc i va ser quan vaig descubrir que Ramón Cardo, el mestre durant uns anys de la Big Band de la UA, tocava en este disc.

5. Three on a row. No sé perquè pero este tema em fa pensar en un tipo solitari, caminant de nit per carrers foscos i emboirats, amb pas ferm, cap a un destí desconegut. Amb un estil clarament funky, supose que el destaque per eixa facilitat per suggerir una escena en particular. Siga com siga, realment el tema es prou contagiós.

6. Autobio. Pur impresionisme, o free, o  jo que sé. Allà van tots els músics fent, aparentment, el que els rota.  No deixa indiferent, no.

8. Reloco’s blues. Des de que vaig sentir este blues per primera vegada, quan em van deixar el disc fa anys, mai he arribat a oblidar-lo. M’encanta. Té un aire “guasón” i “retro” que mola mogolló. A més, els solos son encertadíssims, així que genial.

Recorde que em va vindre especialment a la ment durant el viatge a Suïssa, concretament en el trajecte de tornada, a l’altura de Barcelona i ja de nit. Les llums llunyanes de la metròpoli i voltants me la van portar al cap. Sé que també en dies anteriors m’havia sorprès cantant-la, però en aquell moment, amb aquell paisatge de puntets de llum i perfils negres rectangulars, vaig tenir clar en què pensava…

La cançó es diu September i és de Beady Belle, de qui ja vaig parlar fa temps, i com dic, no sé que té d’especial. No sé si és la veu de la cantant, la melodia suau i preciosa, l’arpegi del piano suau i contagiós, etc. O igual és eixa frase de l’estribillo, senzilla i clara, que enclou una infinitat de significats: “Tonight there are people getting just what they need“, o “…they have forgotten to worry about tomorrow“…

Compte no vos dormiu abraçats per la cançoneta, perque en realitat, és quasi una cançó de bressol…

Y bien, puede que sí lo sea. Ornette Coleman fue uno de los padres del free jazz y en este disco, del 1959, muestra los comienzos del estilo. A mí la verdad es que el free no me mata, y en la mayoría de ocasiones me supera, pero aquí, donde se podría decir que la música es un bop que “rasca la fita” del free jazz, mola.

The shape of jazz to come, como he dicho, es una especie de casi-free. Melodías un tanto disonantes, armonías poco ortodoxas o desdibujadas (a lo que contribuye la ausencia de un instrumento armónico, como el piano), cierta libertad en el ritmo o el tempo, y un aparente desacompasamiento de los músicos en los temas, en lo que se podría interpretar como una aproximación a la libertad individual a la hora de tocar.
En el disco acompañan a Ornette Coleman (al saxo alto) otros grandes de free jazz, como son: Donald Cherry (corneta), Charlie Haden (contrabajo) y Billy Higgins (batería).

De los seis cortes del disco destaco:

1. Lonely woman. Cuando la escuché por primera vez pensé: “aquí se está muriendo alguien o algo parecido!!!”. Entonces, cojo la carátula y leo el título. En efecto, no muere pero casi: la “mujer está sola”. Sonrio satisfecho porque pienso que he captado lo que el músico quería decir, pero en seguida pienso en que realmente el que “me ha captado” ha sido él, su música es tan buena que transmite un sentimiento…
En fin, una melodía desgarradora, agónica, interpretada casi al unísono por el saxo y la corneta. Por detrás, bajo y batería marcan un ritmo frenético, estresante. Un desasosiego absoluto, genial.

2. Eventually. Agarra’t que ve curva!. Un tempo vertiginoso y feroz. Son cuatro minutos pero la melodía y los solos son tan delirantes que casi se te pasan en seguida, con los ojos abiertos como platos.

3. Peace. Por fin se tranquiliza la cosa y pasamos a un medio tiempo “estándar”. Se podría decir que es un tema sin armonía aparente, ya que el bajo se suma a menudo al unísono de los pitos para interpretar la melodía. Buenos s0los de Coleman y Cherry, aunque me quedaría con el del saxo.

5. Congeniality. Un curioso tema, con un cierto “aire festivo”, en el que se alterna una parte casi libre, ad libitum, con otra a un tempo rápido. El solo de Coleman, a pesar de no ser muy “melódico” (como era de esperar), resulta convincente y atractivo.

Y por si alguien se lo ha preguntado: no, se puede ver que no. Este disco no cumple el teorema.

Después de un análisis concienzudo de mi reducida fonoteca, me permito lanzar el siguiente inestable teorema:

“En todo disco de música, la canción número 4 es de las mejores, si no la mejor”.

Unes bones vacances musicals han sigut estes, sí senyor. Fins a quatre “actuacions” en menys de quinze dies, i damunt passant per una varietat d’estils quepaqué.

Només arribar del viatge, i quasi sense temps per a posar els peus en terra, començàrem amb la Banda, amb tres arreglos per a Big Band: Tristeza, A garota de Ipanema i Caravan. No eren molt complicades perque el paper de la guitarra no era molt protagonista, pero tampoc havia assajat massa i algunes coses no les tenia molt clares. Siga com siga, crec (i diuen) que va estar molt bé.

El segon bolo estava clar que era el més important i complicat: Sejazz. Volíem contar la història del jazz i anar tocant cançons de cada època. Quasi res!. I per a liar més la boga, si cap, vam decidir fer un video per acompanyar les explicacions. A més, per uns i per altres no vam poder assajar tots junts els dies abans del concert, pero bé, allà va Déu!.
En conjunt pense que va quedar bé, pero des de dins sabem que podría haver sigut moooolt millor.
Encara que no siguen gran cosa, pose dos videos del concert: el primer de dalt és de “Django“, un clàsic de Sejazz tocat amb estil manouche anys 30. L’altre, al final de l’entrada, és la coneguda bossanova “Garota de Ipanema”. Al final també pose un audio de la versió hard bop (anys 60) que vam fer de “Autumn leaves”.

Tercera actuació, al Festival amb “Sefolk“. El que va eixir com una idea mig de conya, per a quatre persones, el dia de la banyà, va acabar convertint-se en un macro-grup de huit músics tocant i cantant un parell de temes de Miquel Gil: L’amor és Déu en barca i Línia de flotació. Gràcies a la caseta de Sueca, i per unes lletres particulars, vaig conèixer a este músic i vaig pensar que en podríem cantar alguna en el Festival. La idea era fer com si estiguérem de caseta, quan ens reunim per a cantar; i així va ser: tranquils, amb morningstar, i molt bé.

I la última, un altre bolo també complicat perque havia de ser, davant de tot, amb molt de sentiment. Baix la direcció de Miquel ens vam aplegar un grapat de músics per posar-li la música a un video que tancaria una exposició sobre l’expulsió dels moriscos a Sella. Música “morisca”, bellugant la frigia hispana, amb emoció, curt pero intens. També va quedar molt bé i ja tinc ganes de veure el video final.

En fi, que ara pareix que tot ha anat de meravella, i en el fons ha sigut així, pero he d’admetre que en moltes ocasions durant eixos dies vaig pensar: “i qui dimonis em mana a mi clavar-me en estos embolics!?”…

Ya hablé de una hace tiempo y esta de ahora la descubrí de casualidad cuando nos compramos un recopilatorio de Police poco antes de ir al concierto.

Es Sinchronicity II. Brutal.

La paranoia de video supongo que tendrá que ver con la letra, claro, que es en plan “catastrofista”, pero es que es un tanto enrevesada y paso de traducir…